第9章 从画中参悟人生的真谛

我想，画作是最能诠释生活的事物了。

我喜欢画，尤其是莫奈的。四季垂柳和睡莲，仿佛能摄了人的魂魄。他的笔下，画作不再是简单的画作，而是有了魔力般的在诉说，告诉你一个个故事。

美其实是记忆的坚持与永续，记忆不可抹杀，记忆能一点一滴累积就是美。

莫奈的那些画作，从最初的风景写实到最后的朦胧抽象，就是一个美的积累过程。

在画作里，画家将其一生的情感、生活、思想都涂上了色彩。你用肉眼相看，怎能看到灵魂？将画作放在它的整个大的时代背景下去看，也许能略懂一二。

很多人看画，觉得不怎么样的画却能拍出天价，对于画家一生中的众多画作中，为什么单单几幅有名。其实看画不是看画本身，而是看它背后的含义。它代表的画家的某一个阶段，或是开创了某一个流派，这些赋予给画作的价值要大于画作本身。《日出印象》就是例证，虽然是在落选展中展出，可它更大的意义上是革新派对保守派的挑战。西方一直到印象派画家出现，才重新调整人在自然里的主体性地位。

奥塞美术馆是保存莫奈画作最多的美术馆。这座由奥塞火车站改造而来的美术馆曾多次出现在莫奈的笔下。莫奈的作品中有七幅《圣拉扎尔火车站》，这一系列画作的精彩之处在于，是用处理教堂的方式来描绘火车站，在这些画中，你能看到神圣的庄严，即使它是人来人往的火车站。

在莫奈看来，光是色彩的魂魄。

莫奈的美学是光的信仰，也是生命的信仰。他的世界是明亮的，洋溢着幸福愉悦的光彩。他的画作是温暖的，透露出人性的辉芒。即使是最悲哀的《卡密儿之死》，也是用淡紫蓝来诠释爱与不舍。他最重要的风格是改变了阴影和轮廓线的画法，在莫奈的画作中看不到非常明确的阴影，也看不到突显或平涂式的轮廓线。你看到的，是光的跳跃，是爱的传递。

人生总有贵人助，莫奈的贵人，也许是布丹、戎金、马奈和也的妻子卡密儿了。

布丹是带领莫奈到户外观察自然光的人；戎金是打开莫奈眼睛的人，告诉他户外写生的意义；马奈的《草地野餐》让莫奈看到了他想要表现的主题，莫奈直接用马奈用过的“草地午餐”之名来创作的画作至少有两幅，可惜那时的莫奈还默默无名且拮据不堪，画作经常被他拿来抵房租，结果房东完全没有意识到他堆在地下室霉变的是多么昂贵的珍宝，以至于现在莫奈的草地野餐系列很少有完整的整幅画作，而大多是被割列开来出售的；最后一个对莫奈的创作影响重大的是他的第一任妻子卡密儿，也是他的模特，卡密儿出现在了他的一系列画作中，我们更容易在画中看到她对画家的爱，安静深沉，不喧哗，充满内心的爱与包容。

莫奈会经常在一段时间内专注一个主题，反复观察创作，长达数年。第一个不断创作的主题是1865年的“圣亚德斯海滩”；之后的1875年的《撑洋伞的女人》；1877年的《圣拉扎尔火车站》；1879年的《维特伊雪景》，不得不说，维特伊风景系列笔调沉重，让人看的透不过气来，少了之前的轻盈明亮，是莫奈绘画上的一个分水岭，1879年创作了《卡密儿之死》以后，莫奈再没有画过人物画，成了彻彻底底的风景画家，也许，爱之深，再无可爱。

1890年的《干草堆》系列，共有25件，同样大小的尺寸，同样的主题，散落在世界各地的美术馆和私人藏家之手。这个系列可以说是莫奈对生命的透悟。真正的风景也许就在身边，如此平凡，如此单纯，如此安静，就像，暮然回首，那人却在灯火阑栅处。

干草堆系列和之后的1891年的《杨树》系列，1892年的《鲁昂教堂》系列，重点都不是描述的事物本身，更多的是表现事物背后透过的光。在雾中摇曳生姿，在雾中隐隐若现，在雾中扑捉光的流光异彩。

苏东坡说“欲将诗句绊余晖”。莫奈的《睡莲》系列就是这句话的真实写照，这是他人生中最后一个主题系列，画了长达20年的时间，倒映水中的垂柳和白云与睡莲交相辉映，他极力的想要画出看到的美景。白内障带给他几乎全盲的视力，使之后期的画作发生了很大的改变，画面上常常出现浓烈鲜明的黄色与艳丽的紫色。莫奈留给世人最后的礼物是法国巴黎橘园美术馆墙体上的两幅巨作，一幅命名为“清晨”，一幅命名为“云影”。在我看来，它突破了时间与空间的限定，更像是画作者记忆的总和，画作是流动的，它们启示无限，更像是作者对生命的领悟。静坐其中，你感到的是生命的力量。

在莫奈的世界里，没有单纯的颜色，他的颜色都是一种光。因为光，所有的色彩都泛着一种瞬息万变的明度。他用画作向我们诉说，光是色彩的魂魄！

这是对人生的参悟。

有时候，读懂一幅画作，读懂一位画家，也许能带给你人生的真谛。从你喜欢的画开始，读一读她带给你的感悟吧。